Sur-vivors

Que el 2010 se venga con lo mejor…. que siempre es bueno seguir deseando….

Imágenes de la contaminación

No, éste no se tratará de un discurso ecológico ni mucho menos. Aunque bien podríamos hablar de ecosistemas de imágenes a la hora de intentar recorrer ciertos tránsitos de sintomatologías de contagios y contaminaciones entre ellas. Pero además, otro linkeo al título del texto Entre imágenes: foto, cine, video de Raymond Bellour, nos llevaría a territorios todavía más cercanos a las rutas que este posteo intenta merodear. Y mejor aún, a colación de cruces contaminantes de imagin-arios, continúo y me detengo por un momento en otra de las publicaciones del citado autor, en La Doble Hélice, uno de los artículos contenidos en Las prácticas mediáticas predigitales y postanalógicas MEACVAD 08. Allí, R. Bellour diseña un recorrido que va más alla de una historiografía de imágenes, o de un aclaje que sólo atienda a los efectos de acumulación, saturación y aceleración circulatoria con los que nos enfrentamos en nuestros más habituales formas de percibirlas.

La problematicidad entonces se desplazaría hacia otro eje, al de los diversos modos de ser de las imágenes, y más aún en momentos en que la imagen digital o de “síntesis” aparece en escena. Es que ésta hace más evidente la diversificación de esos modos y sus cruces, según dos redimensionados parámetros, el de la cantidad variable de analogía (semejanza/parecido) soportada por la imagen en correlación al “mundo” o a otra/s imágen/es, y el de aquel otro asociado a las relaciones entre lo móvil y lo inmóvil. Luego y a partir de estas cualificaciones, una multiplicidad de modos de imágenes resultaría de entrecruzamientos, contagios, superposiciones e intersecciones entre ellas, ya sea que éstos se den en el interior de la propia esfera de producción de un mismo arte o entre las de diferenciales “lenguajes artísticos y/o estéticos”.

Waltz With Bashir

La fragilidad de los cuerpos de las imágenes en permanente estado de alteración, queda en estos viajes cruzados al descubierto. Pero se trataría de un carácter frágil entendido ¿paradójicamente? como fortaleza. Porque es en ese punto de desplazamiento corrido hacia los “pasajes entre imágenes”, en esas interrelaciones que dejan fisuras e intersticios, en donde las imágenes adquieren un potencial de expansión diversificada, perceptible en una doble relación (provisoriamente estable), la referida a la que se establece entre imagen/mundo (eso que llamamos naturaleza), y a la que se establece entre imágenes. Y era inevitable que en estos trayectos entre diferentes grados de analogía, imágenes móviles e inmóviles, pasajes y cruces, surjan cuestiones sobre cine, video, cineanimación, digitalización de la imagen, quizás algunos de los sitios de contagios donde se puedan dar cuenta de los más amplios diagnósticos de síntomas de contaminaciones retroalimentadas y repotenciadas entre las imágenes. Algunos de los siguientes párrafos de la La Doble Hélice de R. Bellour dan cuenta de ellos:

Persepolis

“Es por un lado, la concepción del cine de animación (en la primera década del S XX) la que desplaza la analogía del movimiento [cualidad conquistada por el cine-grabación] y la recompone al grado de una visión figurativa que sustituye a la analogía fotográfica [analogía de la percepción visual] con las viejas adquisiciones del dibujo y la caricatura; esto es, una idea de la visión estructurada más en torno al esquematismo que a la presencia sensible. Por otro lado, diez o quince años más tarde se produce el nacimiento de un movimiento, siempre parcial pero fundamental, que no cesará de hechizar al gran cine figurativo como su mismo reverso: el cine abstracto, más o menos abstracto (también se denominará concreto, integral, conceptual, estructural, “eidético”), que no dejará de reunirse de acuerdo a sus modos, con las preocupaciones de la pintura (o de aquello en que se ha convertido, hasta cierto punto -o en cierto modi, permanentemente- la pintura). De esa manera, en la gradación que se establece entre una o dos artes fundadas en la reproducción mecánica y puestas aparte de las artes que la preceden, se constituye un dispositivo de posibles, fundado en las usurpaciones y los pasajes susceptibles de operarse, técnica, lógica o históricamente entre las diferentes artes.

(…) Aquí es donde podemos instalar lo que puede llamarse, metafóricamente, la doble hélice de la imagen. Esto implica rendir homenaje a la extensión de la naturaleza entrevista por la ciencia, de donde siempre nos viene cierta presión. Es fundamental señalar hasta qué punto están ligadas las dos grandes modalidades que hacen que la analogía se encuentre constantemente amenazada y retrabajada. La primera modalidad toca a la analogía fotográfica, la manera en la que el mundo, los objetos y los cuerpos parecen definidos (siempre por una parte, y más o menos) por referencia a la visión natural -por un cierto estado fijado en la visión natural- que implica parecido o reconocimiento. La segunda modalidad atañe a la analogía propia de la reproducción del movimiento. He aquí los dos poderes que, cada uno y en conjunto, se encuentran puestos en juego y mal puestos en el film cuando la imagen se inclina hacia la desfiguración, la pérdida de reconocimiento, o cuando su movimiento se encuentra desviado, congelado, interrumpido, traspasado por la irrupción violenta de lo fotográfico -el efecto-foto, que concierne tanto a la fotografía como pura presencia en su determinacion sobre la imagen, como a las ficciones de la fijeza y de la fotografía-.

(…) Los dos modos de pasajes aquí anudados en la imagen de la doble hélice constituyen los bordes o los puntos de anclaje, actuales-virtuales, a partir de los cuales se puede concebir lo que pasa-y se pasa- hoy día entre las imágenes. Pero es en el cine moderno y en la era del video que el lazo se estrecha, estalla y se acelera en torno a puntos de cruce de extrema violencia -video que extiende al cine dejándolo a punto de la disolución en una generalidad que no posee número ni nombre en el orden de las artes-. Su paradoja habrá sido la de tomar la analogía con tenazas: de un costado se multiplica la potencia, por el otro la arruina. El video extiende, en efecto, directamente la analogía del movimiento en el tiempo: tiempo real, instantáneo, que redobla y desborda el tiempo diferido del film, y del que el video de vigilancia ofrece la imagen más atroz y pura (…) La imagen digital es la expresión última y paradojal de la metáfora de la doble hélice: por sí misma sin recurrir a ninguna precondición, puede modular virtualmente los cuatro lados que la componen y, sobre todo, variar a gusto sus tensiones, ad infinitum. En un sentido el pixel puede (o podrá o querrá poder) todo. Pero este todo es lo que lo sofoca, lo que mantiene la imagen de síntesis tan incierta en sí misma, atenazada, si se quiere, entre su mito y lo que nos brinda”.

No muy lejos de estos trazados y siguiendo similares rutas de contaminaciones entre imágenes, en otro posteo me refería a ciertos lineamientos que Lev Manovich recorría en Cine, el arte del index, texto que volvía también a retomar los pasos de las primeras experimentaciones precinemáticas del S XIX.

Éstas se jugaron a indagar en las posibles variantes de imágenes del movimiento trabajando en base a la construcción de objetos como el zootropo, el fenaskistoscopio, y otros similares, donde secuencias de dibujos o pinturas, se situaban en superficies bidimensionales (círculos, tiras de papel o cilindros) y activadas por diferentes dispositivos se observaban en secuencias de movimiento circular, en un tipo de narrativa de loop.

Y es casualmente hoy, aunque a primera vista resulte contradictorio, cuando las herramientas tecnológico/digitales permiten volver sobre esos precedentes cinematográficos, al posibilitar otra vez el diseño manual, cuadro a cuadro, en la secuencia fílmica que presenta eso que llamamos cine hoy, “un régimen muy particular de lo visible”. El cine digital representa para la/s imágen/es cinematográfica/s, otras posibilidades de expansion, entendido aquel como “un caso particular de animación que usa filmación en vivo como uno de sus muchos elementos”.

Dos casos de pasajes entre imágenes se me cruzan además en estos momentos. Enlazado en algo con aquello de la narrativa de loops en los primeros “aparatos” precinemáticos, recordé algún otro posteo donde se evidenciaban más de otros contagios. Esta vez vamos al campo de la publicidad, a una técnica llamada “tiempo escultura” y aun video que remixaba los modos de ser de la imagen/escultura(esa que implica a la vez imagen estática pero recorrido visual de rodeo), el de la imagen del movimiento cine/digital activada por la técnica tiempo bala difundida en la exitosa Matrix, y el de la imagen de movimiento circular repetitivo del loop, asociada hoy al universo sonoro del DJ y sonoro/visual del VJ.

El segundo caso me lleva a repasar algunos recorridos abordados por David Oubiña en una charla desarrollada en el Espacio Fundación Telefónica, titulada La juguetería filosófica. Cine, cronofotografía y tecnología digital, y realizada a propósito de la presentación de la publicación de título homónimo inluída en la serie Genealogías de cine.
Las primeras direcciones de la exposición apuntaron hacia los experimentos precinematográficos desarrollados a partir de las técnicas de la cronofotografía, y abordados por los estudios científico/fotográficos de E. J. Marey y E. Muybridge, preocupados por investigar la “anatomía” del movimiento, y más aún su desmontaje, la desnaturalización del efecto de fluidez que de él habitualmente percibimos.

Sí, seguramente el cine le debe mucho a esos famosos estudios que se ocuparon de descomponer el andar del galope de un caballo en una secuencia de imágenes fijas capturadas por los “ensayos” cronofotográficos . Fueron luego muchos los artistas visuales, fotógrafos, videastas y cineastas experimentales que retomaron y diversificaron los posibles modos de ser de la imagen del movimiento derivadas de estas experimentaciones. Entre ellos: P. Cèzanne, M. Duchamp, Man Ray, G. Balla, A. Warhol, D. Vertov, Bill Viola, J. L. Godard, Cindy Sherman, para nombrar sólo algunos de los más reconocidos por algunas “historias de las artes”.

Para dar dar cita visual a algunas piezas de video que David Oubiña expuso durante la charla, les dejo los links a Passage a’ l’acte, de Martín Arnold. Un juego de repeticiones y ralentizaciones de movimiento que a mí particularmente me parecieron como surgidas de los movimientos de la bandeja de un DJ. Se trata de la reelaboración de una escena del film Para matar a un ruiseñor.
Luego, en The Messenger, video realizado por Bill Viola, una secuencia de inmersión de un cuerpo en el agua donde la imagen digital en ningún momento se percibe fijamente estática, y a la vez muestra un continuo movimiento de transformación y cierta sensación de detenimiento.
Por último, en 24 hr Psycho Clip Douglas Gordon reelabora una de las paradigmáticas escenas del film de Hitchcock para, a modo de experimento cronofotográfico detener la fluidez de una secuencia que se extenderá en el tiempo al demorar cada fotografma del original 13 veces más. El tradicional tiempo cinematográfico de imágenes encadenadas en frecuencias de 1/24 segundos de velocidad, se desnaturaliza en pasajes que demorarán aquí 1/2 segundo.

Y hablando de desnaturalizaciones y naturalizaciones, pienso en aquellos merodeos de principios de este posteo, asociados a La Doble Hélice de Bellour. Allí hablábamos de diversos grados de analogía en la doble puesta en relación de dos términos que se juegan cuando hablamos de naturaleza. Por un lado la que asocia imagen/mundo, y por otro a las imágenes entre sí. Interrelaciones, todas ellas a su vez móviles, provisoriamente estabilizadas, permeables a actualizaciones y entrecruzamientos. ¿A cuáles sensacioes, percepciones, impresiones atienden hoy nuestros modos de construir situaciones de analogías o parámetros de versosimilitud? ¿Qué pasa cuándo las imágenes, en sus multiplicados modos de ser, de generar mundos y naturalezas (y viceversa), se contaminan de tal manera que tornan casi imposible definirlas en conceptos que no atiendan siempre a una puesta en escena relacional?

Algunas de estas preguntas me resonaron al leer otras imágenes, unas de esas tantas que se juegan en la literatura. Entre los variados escritos publicados en Descanso de caminantes, uno de ellos relata el Fin de una tarde, en Buenos Aires, 1976 (Pag. 26). En él su autor, A. Bioy Casares cuenta deteniéndose en una serie de descripciones de visualidad bastante precisa, cómo a la salida de un cine, y yendo al encuentro de una mujer, inesperadamente en una esquina, entre sirenas, autos, soldados, policías y corridas acaba siendo testigo de un brutal asesinato. Al terminar su narración escribe: “No podía dejar de pensar en ese hombre que ante mis ojos corrió y murió. Menos mal que no le vi la cara, me dije. Cuando le conté el asunto a un amigo, me explicó: “Fue un fusilamiento”. Si alguien hubiera conocido mi estado de ánimo durante los hechos, hubiera pensado que soy muy valiente. La verdad es que no tuve miedo, durante la acción, porque me faltó tiempo para convencerme de lo que pasaba; y después, porque ya había pasado. Además, la situación me pareció irreal. La corrida, menos rápida que esforzada; los balazos, de utilería. Tal vez el momento de los tiros se pareció a escenas de tiros, más intensas, mas conmovedoramente detalladas, qeu vi en el cinematógrafo. Para mí la realidad imitó al arte. Ese momento, único en mi vida, se parecía a infinidad de películas. Mientras lo vi, me conmovió menos que los del cine; pero me dejó más triste”.

Ciertamente, algunos síndromes de contaminaciones y contagios provocados por tan diversos pasjes entre imágenes, no hacen más que repotenciar la fuerza de su capacidad mutante. Allí, donde lo frágil e inestable puede ser entendido como algo muy distinto a cualquier signo de debilitamiento.

Algunos apuntes acerca de la Primera Reunión Cámara Free

Finalmente, y a menos de un mes de la primera convocatoria (a lo “chino”) lanzada por Alejandro Velazquez @sircookief llegó el dia del primer encuentro cercano del tercer tipo para algunos de los muchos que ya nos sumamos al proyecto Cámara Free.

La cita fue en CoworkCentral, @CoworkCentral un sitio super ameno diseñado en vistas de prestar las mejores comodidades para gente free lance que busque reunirse a trabajar en un espacio de lo más agradable.

Los que estuvimos reunidos allí físicamente llegamos a conformar un grupo de no más de 20 personas, pero entre todos cubríamos las distintas áreas de trabajo que la cámara agrupa: Diseño gráfico, Diseño Web, Programación, Diseño 3D, Stop Motion, Redacción creativa, Fotografía, Relaciones Públicas y Comercialización.

Pero y además en streaming se sumaron virtualmente muchos más! Así que también estuvieron presentes los que por diferentes motivos no pudieron llegar a CoworkCentral. Y casualmente, uno de los temas que surgió en la charla fue el de no dejar nunca afuera de todo lo que vaya aconteciendo con la puesta en marcha de la Cámara Free, a toda la gente del interior que se sumó, y que según lo que Alejandro comentó es mucha y muy talentosa!

Pero sigamos con más de lo acontecido. Continúo con la presentación de Alejandro, que empezó hablando de por qué y cómo surgió esto de convocar a la Cámara Free. Nos contó que él, hasta ahora, trabajaba solo en su casa, frente a la computadora, “ligero de ropas” y con mate de compañía. La cuestión es que le llegaban demasiadas ofertas de trabajos que no podía acaparar, por eso buscó “tercerizar” la demanda. Pero bueno, sucede que cuando delegás algún trabajo no sabés bien después cómo termina la cosa. Un poco para organizar, codistribuir y poder abarcar esos ofrecimientos de trabajo, surgió esto del llamado a otros free lance a conformar esta Cámara. Pedro Visintin @pvisintin también sumó lo suyo a esos primeros pasos, y ahora gracias al trabajo que desarrolló en Network Crabgrass todos los que nos integramos a la Cámara Free podemos conocernos mejor y sumar ideas, opiniones, nuevos objetivos en foros, comentarios, textos wiki, mensajes y contrubuir así en todo lo que se les ocurra para ir dando más forma a este proyecto.

La próxima tarea de la que hablamos en la charla fue la de la creación del sitio Web para la Cámara. Ya se formó en la Network un espacio de participación para ello “Crear Sitio”, y además el grupo Imagen de La Camara encargado del diseño de Isotipo. Para los que se agrupen en el área de Marketing ya pueden aportar al Comite Social Media Así que los que quieran sumarse con sus diversos aportes pueden anotarse en los grupos que deseen.

Luego, la propuesta para los que estamos en Redacción Creativa es la de pensar un texto que nos presente y represente en el espacio del Home dedicado al “Acerca de..”, como también algunos de los primeros contenidos para el Blog.

Por otro lado, se convocó a quienes trabajen en 3D o Stop Motion a crear un imagen o video para el Home. Ya dos de los que estuvimos de cuerpo presente en la reunión se ofrecieron a darse manos a la obra.

Además, para que todo esto sigo expandiéndose, se habló también de la importancia de que todos ingresemos a colaborar en la Network , para lograr un contacto más activo y coparticipativo. Ya están diseñadas allí las comisiones de trabajo y las publicaciones actualizadas de las próximas tareas a seguir. Así que los esperamos a que continúen sumando las filas allí!

Con respecto a toda la gente del interior que está integrando hasta ahora la Cámara Free, y en respuesta a las preguntas de los que iban siguiendo la reunión en streaming, surgió la idea de que en cada provincia a su vez se reúnan para coordinar y contribuir con sus aportes, y quizás para facilitar más las cosas, elegir algún coordinador o representante que a su vez se comunique con los grupos que estamos trabajando en las distintas regiones nacionales (por ahora).

Antes de terminar la reunión, y por iniciativa de Pedro Visintin, cada uno se presentó, para conocernos un poco mejor nos contamos algo de lo que hacemos e hicimos, y todos de algún modo coincidimos en que el trabajo free lance, independiente, es la mejor manera de vivir haciendo lo que nos gusta y sabemos hacer, siempre y cuando nos lo tomemos en serio, responsable y comprometidamente. Y mas aún ahora, cuando el compromiso no será ya tan sólo para con nosotros mismos y las personas para las que trabajemos, sino también para cada uno de todos los demás que estamos agrupados en esto de la Cámara Free.

Seguramente me estaré olvidando de muchos otros detalles, además llegué un poco tarde y cuando yo y otros nos fuimos, todavía se quedaban en CoworkCentral algunos más, y no sé cómo habrá continuado la historia…

Pero bueno la idea es compartir en este posteo con quienes no estuvieron presencialmente en la reunión, algo de lo mucho que allí se habló y acordó. De más está decir que por sobre todo se sintió en aquellas casi 2 horas compartidas un momento de lo más divertido, amigable, colaborativo y por sobre todo creativo!

PD: Este es sólo un primer apunte, ya quedamos con Santiago Boatella @sboatella en continuar con una segunda parte más completa.

PD1: Las fotos las tomó Gustavo Salvini @guspatagonico y las publicó aquí

PD2: Algunas cuentas de Twitter de los que estuvimos en cuerpo y alma en la reunión: @sircookief @pvisintin @sboatella @guspatagonico @D3mian @patriciomolina @soloenglish @ezzed @maxibazan @selenexul…
Perdón por los que faltan, aún no logro ubicarlos a todos, pero si leen este post y quieren pasarme sus nombres y cuentas, las agrego.

PD3: Si alguno de los que estuvimos física o virtualmente en la reunión quiere agregar o modificar algo a esta primera breve “crónica” escribanmé y publico sus aportes.

Saludos a tod@s!

De coherencias y Decoherencias

Arte, locura y…ciencia

Arte y locura, terreno doblemente resbaladizo o mejor multiplicadamente desviado. Sitios visitados y revisitados infinidad de veces y por tantos. Juntos y/o separdos. Da igual. Quizás hoy más que nunca, y en ciertos sentidos, arte y locura en sus trayectos y por tramos se interesectan. Y es que, ¿no entramos acaso en un similar estado de perplejidad cuando nos cuestionamos acerca de nuestros modos de construir, sistematizar y nombrar al arte y a la locura?

Unos días atrás, alguien me hacía una consulta sobre una de las pinturas de gatos publicadas entre las primeras imágenes gráficas en la columna lateral de otro de mis blogs, Artilunio. “Gato cósmico” y “Gato con vacíos” pertenecen a la serie “Zoología Fantástica”, realizada por Luis, un artista psicótico que integraba el Taller de arte inaugurado, años atrás, en el Hospital Borda.

Gato cósmico - Luis - 1970

Un intento de respuesta a aquella consulta me llevó revisar unas entre otras páginas del libro de donde las extraje, “Arte y locura” por M. Cristina Melgar, Eugenio López de Gomara y Roberto Doria Media Eguía, quienes en su Introducción a-notan: “Foucault escribió que, cuando la ciencia comenzó su “largo monólogo con la razón acerca de la locura”, se dejó de oír la voz de la locura. Razón y locura se contradicen. No obstante, las artes, las ciencias y las tecnologías suelen revelar que las distancias son menos largas y las barreras más flexibles. ¿Acaso Goya no llamó al grabado que debía encabezar sus caprichos “Los sueños de la razón producen monstruos”? La sinrazón de la razón y la verdad de la locura no se le escaparon al hombre en ninguna época de su historia.”

Pero volvamos ahora a revisar aquello de que sólo en ciertos sentidos arte y locura se cruzan. Si bien ambos se procuran transitar sitios de desvíos, de otros órdenes o registros de realidad/es; las rutas del arte conducen siempre a una estética comunicable y traslativa (de modos no estables ni convencionales), mientras las diversas formas de locura patológica, no logran desatar sus “otros mundos” del nudo inmóvil de lo irrepresentable. Es allí donde el arte puede representar una alternativa terapéutica para aquellas patologías, tendiendo un puente sobre esa brecha comunicativa. Una distancia que ciertamente hoy, quizás se perciba como más notable.

Esto si tenemos en cuenta que para una diversa producción artística (Web mediante), uno de los pactos fundacionales se configura en y a través de las prácticas del compartir, del (to share) , de los juegos de la comunicación, la circulación, la interactividad y la interconectividad. De la traslación telemática, la interconexión de nuevos mundos interrelacionados y la “re-creación” de universos de sentidos comunicantes de diversos modos.

La cuestión estaría entonces en el cómo, a partir de dónde se codifican esas realidades otras, y no tan sólo ya las surgidas de los espacios del arte o la locura.

Si vamos por un momento a los territorios que producen uno de los mayores efectos de objetivación, a esos de la ciencia, veremos como entre algunas de sus provincias, la de la Física Cuántica viene provocando, hace un tiempo ya, ciertos temblores en los suelos de la estabilidad. A partir de sus apuestas y supuestos teórico/práctico/imaginarios, las conjugaciones de posibles e improbables interacciones sujeto/objeto/entorno/mecanismos de observación, perfilan las más diversas variables de realidad, escapadas de calquier intento de establecer índices estadísticos imperturbables.

Navegando entre principios como el de incertidumbre/indeterminación, referido a la disposición no precisa en el espacio/tiempo de los elementos subatómicos, o el de Complementariedad, acerca del comportamiento dual de aquellos elementos, ya sea que se perciban en forma de onda y/o partícula; y desprendida de esos recorridos, la posibilidad de “imaginar” configuraciones de “universos paralelos”, me encuentro con un ensayo titulado “Borges, Teoría cuántica y universos paralelos”. En él, Oscar A. Marco Rodríguez apunta éste entre otros párrafos:

“La teoría cuántica, aunque extraña y a veces reñida con el sentido común, es la más exitosa y abarcativa de todos los razonamientos de la ciencia física y en y por ella se postula que es posible que no exista una sola “realidad”; pueden existir potencialmente infinitas “realidades” e identidades, tantas como elementos -ora objetos/sujetos, ora sujetos/objetos- que interaccionan (…) en “El jardín de los senderos que se bifurcan”, Borges ya en 1941, a través de sus personajes, nos habla de sus sospechas sobre la potencial multiplicidad de la “realidad”:

“…En todas las ficciones, cada vez que un hombre se enfrenta con diversas alternativas, opta por una y elimina las otras; en la del casi inextricable Ts’ui Pên, opta -simultáneamente, por todas. Crea, así, diversos porvenires, diversos tiempos, que también proliferan y se bifurcan. De ahí las contradicciones en la novela. Fang, digamos, tiene un secreto; un desconocido llama a su puerta; Fang resuelve matarlo. Naturalmente, hay varios desenlaces posibles: Fang puede matar al intruso, el intruso puede matar a Fang, ambos pueden salvarse, ambos pueden morir, etcétera. En la obra de Ts’ui Pên, todos los desenlaces ocurren…” (Capítulo IV – Desarrollo de la teoría del “Todo” y la metáfora del “Sintonizador”)

Y ya que vamos por estos recorridos de simultaneidades podríamos volver sobre otras realidades que, como las de Luis, el artista psicótico de principios de estos escritos, traían consigo imaginarios felinos. Sí, porque según los pre-supuestos cuánticos de la paradoja del Gato de Schödinger, este singular felino, puesto en una particular situación experimental, podría encontarse simultáneamente vivo y muerto:

“El experimento mental consise en imaginar a un gato metido dentro de una caja que también contiene un curioso y peligroso dispositivo. Este dispositivo está formado por una ampolla de vidrio que contiene un veneno muy volátil y por un martillo sujeto sobre la ampolla, de forma que si cae sobre ella la rompe y se escapa el veneno, con lo que el gato moriría. El martillo está conectado a un mecanismo detector de partículas alfa; si llega una partícula alfa el martillo cae rompiendo la ampolla con lo que el gato muere, por el contrario, si no llega no ocurre nada y el gato continúa vivo. Cuando todo el dispositivo está preparado, se realiza el experimento.

Al lado del detector se sitúa un átomo radiactivo con unas determinadas características: tiene un 50% de probabilidades de emitir una partícula alfa en una hora. Evidentemente, al cabo de una hora habrá ocurrido uno de los dos sucesos posibles: el átomo ha emitido una partícula alfa o no la ha emitido (la probabilidad de que ocurra una cosa o la otra es la misma). Como resultado de la interacción, en el interior de la caja, el gato está vivo o está muerto.

Pero no podemos saberlo si no la abrimos para comprobarlo. Si lo que ocurre en el interior de la caja lo intentamos describir aplicando las leyes de la mecánica cuántica, llegamos a una conclusión muy extaña. El gato vendrá descrito por una función de onda extremadamente compleja resultado de la superposición de dos estados combinados al cincuenta por ciento: “gato vivo” y “gato muerto”. Es decir, aplicando el formalismo cuántico, el gato estaría a la vez vivo y muerto; se trataría de dos estados indistinguibles.”

Se trata de otras coherencias, las múltiples variables definidas por la interacción con el entorno y la acción “creadora de realidad” del observador, pareciera ser que acotarían el abanico de probabilidades. Resulta que ese universo macro al que están acostumbradas nuestras formas de percepción más cotidianas estaría sumamente en-red-ado. Para la observación “científica cuántica”, un objeto macro, en este caso un gato, se presenta como una realidad “interferida”, imposible de observar si no es en íntima interrelación con su medio y su observador. No ocurre lo mismo con elementos micro, subatómicos, los cuales a su nivel de “realidad”, pueden ser aislados y observados en situaciones de diversos comportamientos simultáneos.

Para dar explicación a lo que ocurre en esos diferenciales “niveles de realidades” (micro-macro), en los que las superposiciones se multiplican o reducen drásticamente, la mecánica cuántica echó mano a los lineamientos trazados por la decoherencia, basada en la falta de coherencia de los estados cuánticos:

“Para cada observación hay que hablar de tres subistemas implicados: el objeto (átomo, gato), el aparato de medida (que permite localizar el objeto) y el entorno (o escenario) donde se desenvuelve el proceso. La interacción de los sistemas macroscópicos con su entorno es lo que diluye la superposición de estados cuánticos, según los modelos de decoherencia.”

Cat' Eye Hubble Remix - Nebula

Retornando una vez más al Gato Cósmico de Luis, me pregunto si en esa imagen felina, puente comunicante “ocura-arte”, esos movimientos dibujando ondas expansivas y multiplicadas no estarán buscando, de algún modo, sintonizar similares frecuencias, ensayando conexiones entre (otras) coherencias y decoherencias.

Aparatología en Imágenes

Dorkbot Tucumán

Sala Ezequiel Linares - Tucumán

Taller de Aparatos por Mateo Carabajal

Eso explica muchas cosas Bs As

Charla Eso Explica Muchas Cosas (Bs. As.) Franco Capozzoli y Analía Bazán, contaron su experiencia con el cirucuit-bending.

Aparateando...

Aparateando...

Aparateando...

Charla - Workshop por Leonello Zambón (Bs. As.)

Ana Claudia García (Tuc.) Artista, docente e investigadora. Habló sobre video-arte y video-instalación.

Estudio Nómade (La Rioja) - Experimentación sonora-visual por Sebastían Ramírez, Gerardo Luquez e Ignacio Zucal.

Video-interactivo por Sebastián Cuello (sobre Juan Pablo Manson y Damián Miroli)

Ciro del Barco y Cecilia Rosso (Córdoba) - Presentación del Proyecto Videoespacios y del Videofest 09.

Electro Performance por Qoqui Méndez (Tucumán)

Gomas de Eva

Electrochongo (Bs. As.) junto a Ciro del Barco y Truman en Sonora Bar - (1º noche DorkbotTuc)

Dr. Valcote

Eso explica muchas cosas

Las fotos y otras imágenes en este posteo fueron extraídas de los blogs:
http://www.dorkbottucu.blogspot.com/ y http://losaparatos.blogspot.com/ donde pueden encontrase aún con mucho más…

Lago en el cielo

Zasha flying SL - Caledon Steam SkyCity – Commonwealth of Caledon – Moonbeam Subsection Home Decor – The Looter’s Emporiun Steam – Prop Spinner’s Pub by Thadicus Caligari – Les Petit Jardin Des Fauves – Caledon Kintyre

Música: “Leit af I fi” – “Colours” por Sigur Ros

Más info sobre Caledon Steam SkyCity SL - http://www.steamlander.com - http://secondlife.wikia.com/wiki/Caledon_Steam_SkyCity

Dorkbot Tucumán

“Los días 18 y 19 de Septiembre se realizará en Tucumán el Primer encuentro Dorkbot (“Gente haciendo cosas raras con la electricidad, Arte y Tecnología”), que tendrá lugar en la sala Ezequiel Linares, cita en San Martín 251 (Ente Cultural), y contará con la presencia de artistas electrónicos, performers y especialistas en Arte y en Tecnología de Tucumán, Buenos Aires, Córdoba, La Rioja, entre otros. Entre las diversas actividades, se dictarán talleres, habrá conferencias, proyección de video-arte, y cada jornada culminará con un recital de música electrónica. El equipo del Dorkbot-Tucumán está formado por Mateo Carabajal, Marta Salina, Maximiliano Farber, Damián Miroli, Juan Pablo Manson y Natalia Acosta.”

Viernes 18/09 – Hardware Hacking y Robótica
Sala Ezequiel Linares – San Martín 251

17:00 Hs. Charla 1 Mateo Carabajal Circuitos Alterados – Presentación proyecto Los Aparatos -

18:00 Hs. Charla 2 Ing. Gustavo Sbrugnera Hardware Hacking aplicado a la robótica -

19:00 Hs. Charla 3 Eso explica muchas cosas. (Buenos Aires) La experiencia en circuit bending de Franco Capozzoli y Analía Bazán -

20:00 Hs. Charla 4 Leonello Zambón (Buenos Aires) Presentacion de su obra e intervención de electrodomésticos-

Pollock – San Martín 2366

23:00 Hs. Ciro del Barco – Set audiovisual en vivo.

24:00 Hs. Truman - Pop Electrónico.

01:00 Hs. Electrochongo (Buenos Aires) – Electropop/8 bits.

Sábado 19/09
Sala Ezequiel Linares – San Martín 251

16:00 Hs. Taller de Aparatos a cargo de Mateo Carabajal. Taller de circuit bending. precio promocional (al costo) incluye materiales. Dura 2 Hs.

18:00 Hs. Charla 1 Lic. Ana Claudia García. El video arte interactivo en Tucumán.

19:00 Hs. Charla 2 – Estudio Nómade (La Rioja). Experimentación sonoro-visual en tiempo real.

20:00 Hs. Charla 3 – Ciro del Barco - Cecilia Rosso (Córdoba). Presentación de Videoespacios – Avances del VideoFest09

San Telmo Norte (Maipú 630)

23:00 Hs. Sebastián Cuello – Video Interactivo

23:30 Hs. Qoqi Mendez – Performance Multimedia

24:20 Hs. Dr. Valcote - Perfo-Blues

1:00 Hs. Gomas de Eva – Pop

Más información:

www.dorkbottucu.blogspot.com

www.dorkbot.org/dorkbottucu

Navegaciones en-red-adas

Internet Map World City to City Connections por Chris Harrison

Hablar de redes hoy puede resultar una invitación a explorar recorridos que multipliquen anacrónicamente las líneas de entretejido que ellas suponen. Me gusta pensar a la red, a la Web como metáfora de vacíos y nudos entrelazados, como aparejo de pesca, como atrapa navegantes, como dispositivo no sólo tecnológico sino también como mecanismo relacional de operadores y operaciones conceptuales, afectivas, sociales, políticas…culturales al fín.

No casualmente, navegando en la red me encuentro con algunas nociones de dispositivo que transitan por estos entre otros lugares. Una de ellas se lanza en palabras de Giorgio Agamben por los siguientes cursos: “…llamaré literalmente dispositivo a cualquier cosa que tenga de algún modo la capacidad de capturar, orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar y asegurar los gestos, las conductas, las opiniones y los discursos de los seres vivientes. No solamente, por lo tanto, las prisiones, los manicomios, el panóptico, las escuelas, la confesión, las fábricas, las disciplinas, las medidas jurídicas, etc…cuya conexión con el poder es en cierto sentido evidente, sino también la lapicera, la escritura, la literatura, la filosofía, la agricultura, el cigarrillo, la navegación, las computadoras, los celulares y -por qué no- el lenguaje mismo, que es quizás el más antiguo de los dispositivos, en el que hace millares y millares de años un primate -probablemente sin darse cuenta de las consecuencias que se seguirían- tuvo la inconciencia de dejarse capaturar.”

TwitArcs por Jeff Clark (click aquí para interactuar - gráfico interactivo en base a data de envío de mensajes en Twitter)

Entre aquellos cruces de conceptos y en una frecuencia muy cercana Michel Foucault dice al referirse a dispositivo “Lo que trato de indicar con este nombre es, en primer lugar, un conjunto resueltamente heterogéno que incluye discursos, instituciones, instalaciones arquitectónicas, decisiones reglamentarias, leyes, medidas administrativas, enunciados científicos, proposiciones filosóficas, morales, filantrópicas, brevemente, lo dicho y también lo no dicho, éstos son los elementos del dispositivo. El dispositivo mismo es la red que se establece entre estos elementos.”

Visitadas y revisitadas así las cosas, las redes tendrían su larga historia de tejidos, si consideramos ya al lenguaje como uno de los primeros modelos de estructura reticular. ¿No somos acaso (teoría psicoanalítica mediante) sujetos de un lenguaje, de un entramado de significancias en red que se tejen, nos tejen y entre-tejen culturalmente? Vuelvo a retomar ciertos hilos entrelazados hasta aquí: redes, dispositivos, entre ellos, navegación, computadoras, celulares y lenguaje, así en el orden en el que (presiento), no casualmente, G. Agamben los mencionó en uno de los anteriores párrafos citados.

Caledon Steam SkyCity Second Life

Vayamos entonces a indagar un poco más en los espacios interconectados de Internet, de la Web, del redimensionado Ciberespacio tecno/virtual. Sitio de tránsito de navegantes o internautas, de imágenes, contenidos multimediales e imaginarios diversos en constante tráfico de cirulación. Los navegantes de y por tantísimas redes, bitácoras, blogósferas y otros ciber-sitios, traemos a estos hiperconectados recorridos metáforas de viajes por contexos acuosos y/o aéreos intergalácticos, performatizando otros modos de hacer gravitar las voces y los cuerpos reconfigurados. Virtuales sí, no físicos, aunque más que ausentes, telepresentes.

Pero volvamos a revisar los sentidos de esas metáforas que hablan de otras gravitaciones y circulaciones, en otros tiempos y espacios. Hace aproximadamente un mes atrás, en un programa especial televisivo titulado Hacia la luna, entre algunas secuencias de imágenes de navegaciones espaciales y entrevistas, un astronauta comentaba algo acerca de los primeros ensayos para poner el cuerpo a flotar en aquellos territorios. Una vez fuera de la nave se hacía casi imposible ejercer algún control sobre sus movimientos de un modo más o menos similar a los acostumbrados en tierra firme.

Fue entonces cuando las experiencias de adiestramientos físicos corpóreos por parte de los astronautas, se llevaron a cabo bajo el agua, al haberse reconocido que no existía otro medio como el acuoso capaz de acercarse a la sensación antigravitacional sufrida por los primeros navegantes galáctico espaciales lanzados al encuentro lunar. Unos días después en un ciclo de encuestas callejeras, un programa lanzaba al aire la opinión diversa de transeúntes de la ciudad de buenos aires sobre cómo recordaban aquel inolvidable 20 de Julio de 1969 en el que los tripulantes del Apolo 11 al fin lograron el primer alunizaje. Una mujer recordaba que al día siguiente, ella y todos sus compañeros en la escuela a pedido de la maestra, graficaron el espacial acontecimiento. Todos habían dibujado una pantalla de TV y en ella como escenario, la llegada del primer hombre a la luna. Descripción de una memoria que de un modo u otro configura y se configura en imaginarios siempre asociados a algún tipo de dispositivo, en este caso al de la TV, dispositivo tecnológico que sin dudas, en aquel entonces, conformaba un potente aparato de reformateo de la mirada.

Bible Visualitazion por Chris Harrison Las barras blancas en la parte inferior representan cada capítulo. El largo de cada barra depende de la cantidad de versículos. En total se encontraron 63.779 referencias cruzadas, y cada una se representa con un arco de color.

Configuraciones quizás muy en sintonía a ciertos sentidos delineados por el pintor Francis Bacon en entrevista con Marguerite Duras, cuando hablaba allí de imaginación técnica diciendo: “Entienda usted, el tema es siempre el mismo. Es el cambio de la imaginación técnica lo que puede “dar vuelta” al tema, el sistema nervioso personal. Imagine escenas extraordinarias, esto carece de todo interés, desde el punto de vista de la pintura, esto no es imaginación. La verdadera imaginación está construida por la imaginación técnica. El resto es la imaginación imaginaria, y esto no lleva a ninguna parte”.

Continuemos entonces por rutas de imaginaciones técnicas que nos sigan llevando hacia algún lado, y ya que sumamos arte a las redes que aquí se tejen podríamos ir por un momento a visitar la Ciudad Hidroespacial de G. Kosice que en sus delineamientos conjuga agua, arte, tecnologías como dispositivos al servicio de la imaginación, alunizajes, viajes y circulaciones anfibias:

Performance musical en homenaje a Gyula Kosice – por Asociación Electrónica (David Tenor – Alejandro Vazquez – Jorge Chickiar) http://lasocialelectro.com.ar/es/index.php en Objeto a

“Proponemos concretamtente la construcción del hábitat humano, ocupando realmente el espacio a mil o mil quinientos metros de altura, en ciudades concebidas ad-hoc, con un previo sentimiento de coexistir y otro diferenciado “modus vivendi”. La arquitectura ha dependido del suelo y las leyes gravídicas. Dichas leyes pueden ser utilizadas científicamente para que la vivienda hidroespacial pueda ser una realidad, es decir viable desde el punto de vista tecnológico. Intentar la construcción de algunas viviendas, como un ensayo previo para llegar paulatinamente a la “Ciudad Hidroespacial” propiamente dicha. La opinión de algunos astrofísicos e ingenieros espaciales coinciden en qeu tomando agua de las nubes y descomponiéndola por electrólisis, es posible utilizar el oxígeno para respirar y el hidrógeno introducido en una máquina de fisión nuclear proporcionaría energía más que suficiente. Energía capaz de mantener suspendido el hábitat incluido su desplazamiento, mientras otras opiniones se refieren a la posibilidad de cristalización del agua y derivarla hacia una polimerización que la cualifique energéticamente. (…)

Apunta asimismo a una apertura del arte, pues nuestra civilización entra en la etapa postindustrial. Se propone pues, un arte de todos y no un arte para todos. Al superar todo intermedarismo, el arte se integra tácitamente al hábitat, se disuelve en él y en la vida, es su presentación, su “modus vivendi”. Los luagares creados con sentido de síntesis y vida comunitaria son sus extensión. ¿Para qué, entonces, la pintura, la escultura, en definitiva el “objeto”, si todo ello ya está contenido en la viviendo ocupando el espacio, el recorrido interno de ese espacio, el volumen, el color, el movimiento? (…) disolver el arte en la vivienda y en la vida misma es preanunciar síntesis e integración (…)

Hidroespacializar, aterrizar, amerizar, alunizar, venusizar, tender posteriormente conexiones galácticas e interplanetarias atravesando años luz, serán alternativas multiopcionales. Habrá lugares para tener ganas, para no merecer los trabajos del día y la noche, para alargar la vida y corregir la improvisación, para olvidar el olvido, para disolver el estupor del por qué y para qué y tantos otros lugares como nuestra inagotable imaginación amplifique y conciba.” (Bs. As 1971)

Gyula Kosice

Sin dudas, este mega proyecto anfibio de Kosice no hace más que continuarse e interconectarse con nuestros actuales modos de vivenciar una realidad y una sensibilidad contemporánea atravesada por prácticas socio culturales que contínuamente linkean contextos digitales y físico materiales. El arte no es ajeno a estos movimientos circulatorios, y como lo enunciaban y anunciaban varias décadas atrás el el ready made de M. Duchamp (1958) “Eau & Gaz au tous les étages” (“Agua y gas en todos los pisos”) o “La conquista de la ubicuidad” (1928) de Paul Valéry, innumerables modos y haceres artísticos llegan y se desplazan hoy, a y con nosotros, en nuestros ambientes más cotidianos, fluyendo como agua, electricidad, luz o gas, viajando en y a través de tantísimas redes y dispositivos tecnológicos que se diseñan sobre sentidos trazados por una larga historia de imaginaciones técnicas.

M. Duchamp - 1958 - Ready made imitado: letras blancas sobre una placa esmaltada azul, réplica de las placas de los inmuebles parisinos de principios de siglo - 15x20 cm.

Retomando palabras de P. Valéry: “Tal como el agua, el gas o la corriente eléctrica vienen de lejos a nuestras casas para atender nuestras necesidades con un esfuerzo casi nulo, así nos alimentaremos de imágenes visuales o auditivas que nazcan y se desvanezcan al menor gesto, casi un signo. Así como estamos acostumbrados, si ya no sometidos, a recibir energía en casa bajo diversas especies, encontraremos muy simple obtener o recibir también esas variaciones u oscilaciones rapidísimas de las que nuestros órganos sensoriales que las recogen e integran hacen todo lo que sabemos. No sé si filósofo alguno ha soñado jamás una sociedad para la distribución de Realidad Sensible a domicilio.”

Parafraseando a G. Kosice en su manifiesto La ciudad Hidroespacial: arte circulando integrado al hábitat disuelto en la vivienda y la vida misma, en una suerte de síntesis e integración móvil. Porque quizás hoy más que nunca la propuesta conceptual y práctico/artística de Kosice encuentre un multiplicado y en-red-ado campo de resonancia. Es así como en una entrevista publicada en la entrega Nº 64 de la Revista G7, bajo el título “La poetización del mundo”, Kosice en respuesta a la pregunta “¿Cómo quisiera que interpreten su obra?”, responde: “Con una mirada poéticamente válida, en la que la visión del mundo no esté en mi obra sino en lo que debe devenir. Por otro lado, me interesa que se entienda que, con el uso del agua, la luz y el movimiento, siempre propuse una visión, aunque acotada de la realidad.”

Nuevamente un sentido de arte y sus efectos desbordados de cualquier enclave en un sitio único y estático, una apuesta a la puesta en circulación, a una poética de diseminación en y hacia tiempos y espacios móviles. Pero sigamos y nos preguntemos más todavía, ¿cómo son esas circulaciones del arte hoy en momentos de reconfiguradas formas culturales y tecnosociales, cuáles son sus velocidades, qué otros contextos generan en sus recorridos?

En su texto “Las auras frías”, José Luis Brea cursa algunos trayectos que van por ciertas pistas indicando esos otros sentidos. Partiendo de algunos supuestos sobre una modernidad que postulaba la desaparición del aura de “la obra de arte” (“sacra”, única, original) en la época de su reproductibilidad técnica anunciada por W. Benjamin, Brea cambia los índices de temperatura e inaugura a fines de siglo XX una era posaurática, de auras no desaparecidas, sino mejor frías. Habla de un tránsito del “viejo aura elevado por la fe, a la fría decisión seducida de participación ceremonial en el consenso mediático, eléctrico, que da nuevo signo a la experiencia estética” Una posaura descentrada, excéntrica, fluída y multiplicada por “efecto y determinación tecnológica”, pero y a la vez “cumplimiento de un destino querido, logro de un programa: el de la vanguardia radical”. Continúa luego en otros párrafos por fríos y veloces recorridos:

Escribe II – Instalación Interactiva – por Inés Nadal, Gonzalo Zabala, Federico Grotzer – Objeto a

” (…) El aura va a ser ya sólo el sentido: un efecto que se genera en la velocidad circulatoria, en la comunicación. A partir de ahora, sólo eso: y nunca más un efecto de creencia. Sino un efecto sometido a reglas versátiles de producción y desciframiento que dependen de la roturación variable de los trazados circulatorios. El hecho de que en nuestros días la complejidad de esos trazados haya aumentado de modo tan salvaje, exponencialmente, carece de otro efecto que el de no hacer descartalbe ningún futurible, ninguna posibilidad. Ni siquiera es obvio, la de la restauración reaccionaria del sueño aurático, la de la reconstrucción de régimen de sacralidad de relación con la obra. Es por ello que el establecimiento de un régimen frío, posaurático, es no sólo destino: sino también vocación, opción programática, decisión política. Apuesta por un reservarse y reservarle a la obra la sola virtud de un aura fría -no sin algo de fuego fatuo- cuyo destino, cuyo sentido, se juegue cada vez en dados que siempre habiten los aires, en trayectoria “definitivamente inacabada”. Dados que vuelan todavía, cada vez, sin que ninguna efectuación, ningún resultado -ninguna obra- suspenda ese movimiento. Es el movimiento -y no su resultado- lo que nos interesa, lo que interesa al sentido. Cualesquiera datos sobre la situación del sistema no harán otra cosa que indicar las direcciones más probables en que éste buscará su reposo instantáneo. O apariencia alegórica, lugar provisional del un aura. Efímera, cinética, fría (…)

Aura fría, como ese eco, sombra breve, que en el interior de la retina reverbera impreso cuando el ojo se aparta ya de alguna luz que casi no llegó a ver.

¿Lo hizo? -pregunta desde lo oscuro.”

Logo DeviantART por Jacob Klug

Es así como podríamos entender, percibir ciertas “políticas y funcionamientos estéticos y/o artísticos” hoy. Siguiendo algunos de esos sentidos circulatorios, proponiendo diversas direcciones y posibilidades para la producción, difusión y recepción de las artes. Partiendo de nociones expandidas de red, redes y dispositivos, de tecnologías en asociación a una imaginación técnica, a imaginarios previos que hacen de ellas herramientas, aplicaciones definidas en sus usos, por usuarios y/o prosumidores en contextos de interactividad e interconexión.
Pero para bajar algunas líneas más de enlace sobre estos recorridos hasta aquí, podríamos ir por un atajo hasta una red de artes (visuales y literarias) como DeviantART.com, que ya desde su propio nombre anticipa una convocatoria virtual de arte anunciado como “desvío”, como circulación o trayecto, pero desfasado, corrido hacia otras vías alternativas de viaje.

Argentinos en DeviantART

Un sitio que podría percibirse también como poetización de una red, que ancla en modelos de o elementos de redes sociales tecno-virtuales pero dirigida al encuentro en pactos que privilegian el desplazamiento. Allí donde el material artístico que cada deviant/artist sube y comparte “se ilumina” en una efímera y titilante aura fría, al ritmo de la cantidad de veces que se multiplica en las galería de favoritos de otros tantos productores/receptores, en las cuentas de amigos o en la lista de “desviaciones” de quienes siguen cada nueva actualización o subida de material a compartir, agregándose a la lista de Watchers del sitio que siguen y “observan”.

El pez carpa del sueño - Teatro Kamishibai por maSao Un relato de la Linterna de Peonía, de Lafcadio Hearn, adaptado por Natalia Mendez, música de Axel Eandi en Objeto a (19 de Septiembre)

Y para terminar (provisoriamente) en algún otro desvío, retomemos algunas rutas anfibias y vamos por otras “auras frías”, otras aguas, otras navegaciones y exploraciones. Les dejo aquí unos links a Freezer Ballet (video objeto – Gabriel Rud), “Auto-retrato en ruído blanco” (video objeto – Paula Senderowicz), dos piezas que formaron parte de la reciente muestra “Agua y luz; poéticas tecnológicas hacia el fin de la década” en Objeto a y el trailer oficial del documental Hielos Míticos. Una película que navega interconectando las realidades virtuales del cine, las subjetividades de un grupo de pioneros exploradores antárticos lanzados a una aventura, en su momento increíble, y los casi irreales territorios azules helados de un sur, muy al sur.

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